介绍佛莱芒乐派（Flemish school，又译作佛兰德乐派）。 15、16世纪活跃在佛莱芒的音乐家群体。佛兰芒是历史地区，也称作尼德兰地区，即今天比利时及法国西北部。音乐史上称布艮第乐派为第一尼德兰乐派，称佛兰芒乐派为第二 、第三尼德兰乐派。佛莱芒乐派最有影响的代表人物有第一代作曲家约翰.奥克冈(Ockeghem,约1425-14***)，第二代作曲家若斯坎.德.普雷(Josquin de Pres,约1440-1521)，第三代作曲家奥兰多.迪.拉索（Orlando di Lasso,约1532-1594）。
佛莱芒乐派***们很重要的贡献是创立了一种新的复调风格。它的特征是：在音乐观念中，所有声部的地位都是平等的。随着布艮第乐派的有伴奏的复调歌曲渐渐消失，无伴奏的复调合唱作品开始出现。这种无伴奏合唱不对任何一个声部有所偏爱，每个声部同等重要。这是一个极其重要的风格变化。从此以后，每个声部都是同一音乐作品中的一个有机组成部分。这种新的复调音乐摆脱了老式哥特***歌的严格的节奏结构。随着音乐织体的丰满，音响也从晚期的布艮第乐派的柔弱变得富有阳刚之气。 弥撒曲和***歌仍是这一乐派浩瀚作品中的精华。早期的创作者以奥奇根、奥布雷赫特、若斯坎为代表，后期则以贡贝尔、克莱门斯、魏拉尔特为代表。 不过，佛莱芒乐派并没有因为弥撒曲的盛行而忽略世俗歌曲的创作。与布艮第乐派的世俗歌曲短小的风格相比，佛莱芒乐派的世俗歌曲更多地运用模仿对位手法，但也有上方声部***用节奏鲜明的旋律，下方声部***用模仿或自由对位乐段使歌曲形成对比的现象。
人文主义精神的萌发，使创作中开始强调音乐的表现，歌词的音节和音乐中的音高与节奏三者之间的协调，成为作曲家注意的焦点，理性创作原则逐渐导致了音乐感性状态的还原。文艺复兴实质上就是一场“感性”（理性中的感性）十足的运动，由此产生的新的各种复调音乐技巧（如专用音乐），使理性创作原则从机械刻板转向生动活泼，音乐中感性的一面开始融入其中，成为各地音乐家们共用的创作手法。
一、若斯坎
佛兰德乐派的另一位成员若斯坎，更多的发展了音乐的表现方面。技术为表现服务是若斯坎音乐的特征。他力求用简洁明快的笔法来表现感情，不用太多的“炫技”即能达到预期的效果。人们听他的作品时，不仅仅听到卡农式或***式的写法，其中或悲哀或快乐的情感比技术更能打动人。 若斯坎的音乐为诗与乐的完满结合（字谜游戏） 1、弥撒曲： 释义弥撒曲（以一首经过改编的素歌为基础，但是它不是只在固定声部出现，而是以复调的模仿在各个声部上出现），模仿弥撒曲（模仿弥撒曲与定旋律弥撒曲相同，都是取自已有的曲调，不同的是，定旋律弥撒曲只是借用一条单旋律，而模仿弥撒曲不仅要借用几个声部，还包括它的特征性的动机、赋格的陈述和答句，甚至总的结构及其音乐实质。拉索的弥撒曲创作，善用这一手法，而且除了在弥撒的创作外，还延伸到其它体裁领域中。16世纪后期这一手法变得十分普遍。 15、16世纪的作曲家虽然也创作一些世俗作品，但他们依然钟爱弥撒曲和***歌这两种宗教音乐体裁，这既体现了音乐家们对西方音乐传统的继承，同时也体现了创作观念的某些局限性。这两种体裁在作曲家眼中有着不同的创作价值和意义，例如弥撒曲给予作曲家表现技巧和出名的机会，***歌则给作曲家提供了试验的空间，因此，十五到十六世纪（或许在更早的时期），这两种体裁成为最吸引人的形式，许多音乐的发展手法都是从它们开始的。***歌是若斯坎的代表性体裁，是他创作数量最多的体裁。他的***歌创作除了复调技法十分精湛以外，更重要的是注重以音乐来表现歌词。如他从意大利音乐中借鉴而来的法索伯顿的技法也是为了音乐的表现。 2、专用音乐musica reservata （绘词法word-painting：以音乐对一个词或一个句子进行音画式的表现），若斯坎的学生阿德里安·科克利库斯所著的《音乐概要》中最早使用此术语，他在书的序中说；使通常称为‘专用音乐’的那种音乐重新为人们所了解。他还称这种音乐是他从老师若斯坎那里所学到的。‘专用音乐’这一术语在16世纪下半叶已通用，但它有两层含意，一是通常泛指专供行家和私人场合用的音乐；另一种用法是指作曲家们以准确而贴切的创作方式来展现歌词内容的创作风格。后一种音乐由于符合于歌词，音乐上常常发生许多装饰性的变化，如变化音，装饰音，或其它产生对比的手法等等。对专用音乐最著名的描述来自塞缪尔·奎克尔伯格，他对拉索的《忏悔诗篇》做了如下评论：“杰出的国王任命他最出色的音乐家奥兰德斯·拉索创作这些诗篇（大部分为五声部），他比我们时代的任何人都杰出。拉索用适宜的方式表现诗篇，使音乐符合歌词的含意，表现每一种不同感情的力量，使歌词所描绘的内容栩栩如生，好像真实地出现在我们眼前，这类音乐称为‘专用音乐’。无论在其它歌曲中，还是这部作品，奥兰德斯都为后人完美地展示了他卓越的天赋。” 如若斯坎的《我儿押沙龙》（“但让我哭着下地狱”）和《耶和华作王》（“主啊，大水扬起，大水发声”“波涛澎湃”“主啊，你的法度最的确”）。 若斯坎的尚松创作更为灵活，他抛弃了传统的‘固定形式’，选用更多别的诗词，并使织体复杂化，技法上从宗教音乐（弥撒曲和***歌）中借鉴，如卡农或自由模仿等。
二、若斯坎的同时代作曲家
奥布雷赫特：定旋律弥撒曲，有格里高利旋律和世俗旋律，处理它们的手段各式各样，如在《歌曲弥撒曲》中引用约20条不同的世俗曲调，有的将一条旋律分开用到《慈悲经》和《荣耀经》中。***歌也***用定旋律的手法。 1、伊萨克：拉索之前最具欧洲性风格的作曲家，最引人注目的三卷本的***歌巨著《康斯坦茨众赞歌》可与莱奥南和佩罗坦的《奥尔加农大全》相媲美。在德国对德国里德的发展起到重要作用，擅用融合性的音乐语言（意大利，尼德兰，德国） 2、拉吕，奥克冈的学生，但音乐风格不同与奥克冈。并揉进若斯坎的感性穆东，若斯坎的学生，维拉尔特的老师。
三、若斯坎之后，拉索之前的一代
1、贡贝尔，若斯坎的学生，弥撒曲以模仿技法为主，尚松，音乐对帕勒斯特里那有很大影响，被称为“为作曲家带路的人”。 2、克莱门斯，为了与教皇克莱门斯七世相区别，名字后面总加上农·帕帕，即“非教皇”之意。 3、维拉尔特，***乐派的确立者（双重合唱。乔瓦尼·加布里埃里注重音色，将合唱队配上乐器组合，可以说是管弦乐队的萌芽；从音响出发的音乐，使器乐方面开始得到推动，突出在管风琴上。）由于长居***，受到意大利风格的影响较多，他也是重要的牧歌作曲家，他敏感地注意到词曲之间的关系，“特别注意表达出歌词的重音，是最早坚持在乐谱上歌词的音节要精确地印在音符下方的人”。 作为老师他也具有相当的影响力，他的学生扎里诺（意大利理论家、作曲家。在音乐理论方面颇有建树，理论著作《和声规范》和《和声示范》尤为著名，内容涉及音乐的数学基础、对位和调式。）罗勒、维森蒂诺和A·加布里埃利都不同程度受到他的音乐风格和音乐思想的影响。例如扎里诺在音乐理论方面给予音乐家的创作带来各方面的指导，罗勒和维森蒂诺结合个人的独创精神在牧歌中做出进一步新的尝试，而加布里埃利则努力将牧歌中的创作技法运用于宗教音乐中。
编辑本段后世影响
由于佛莱芒乐派的作曲家很少留在本国，而是移居他国，并在那里享有很高的地位，所以佛莱芒乐派影响了除法国、荷兰、比利时之外的德国、奥地利、意大利、英格兰、西班牙、波兰和匈牙利的整个欧洲范围，是一个真正的国际乐派。 文艺复兴后期，欧洲大陆出现了民族风格的音乐，使形形的世俗音乐形式逐渐渗入到合唱音乐中，如法国的尚松、意大利的牧歌、德国的艺术歌曲等，这些合唱作品以鲜明的民族特性、轻快的节奏主调与复调结合的形式打破了模仿性复调音乐一统天下的局面，同时预示着佛莱芒乐派开始走向衰亡。
古典音乐： 古典音乐classical music原指古代留传下来堪称经典的音乐作品,后广指一切将深刻的思想内容与完美的艺术形式相结合的典范音乐作品。在这种意义上,这一概念不受时间和地 域的限制,不同历史时代和不同国家、民族的高度艺术性的民间或专业的音乐均可称为古典音乐。在欧美音乐中,古典音乐的概念具有多种解释： ①专指德奥18世纪下半叶～19世纪20年代以J.海顿、W.A.莫扎特和L.van贝多芬为代表的音乐,即所谓“维也纳古典音乐” （亦称“维也纳古典主义音乐”或“维也纳古典乐派音乐”）。在这里,古典音乐的概念是狭义的,它具有地理和历史的范畴,特指具体的音乐风格和流派（见维也 纳古典主义音乐）。 ②从维也纳古典音乐的历史时期往前推移到C.W.格鲁克、G.F.亨德尔和J.S.巴赫的音乐,甚至再往前追溯到欧洲文艺复兴以来的各国专业音乐。在这种意义上,这一概念扩大了地域和时间的范围,突破了特指的音乐风格和流派的限定。 ③从维也纳古典音乐的历史时期往后延伸到19世纪末、20世纪初的欧美专业音乐,即将浪漫主义乐派和民族主义乐派作曲家的创作均包括在内。在这个意义 上,古典音乐与19世纪末、20世纪初以后的现代音乐形成了两个对应的概念。两者的主要区别在于音乐语言和艺术手段的不同。 前者遵循传统的调式、调性、和声功能体系等创作技法,后者则突破了这一传统创作方法。 ④将19世纪末、20世纪初以来的非纯粹性质的现代专业音乐包括在古典音乐这一概念所指的范围之内。在这种意义上，古典音乐与严肃音乐的概念合而为一，而与之相对应的概念是单纯性质的轻音乐、流行音乐或其他通俗音乐。CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为 serious的第二条义项是这样给出定义的：(指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻， 能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。如此看来，译成”经典音乐“的确更妥当一点。只是大家都说惯了，要改口总觉得别 扭，还是称其为”古典音乐“吧，要怪只怪当时第一个翻译的人，怎么没想到“古典”会带来这么多的误解。还好,没有意译成”严肃音乐“，否则真的是要贻笑大 方了。 当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅...... 音乐是一种文化现象，欧洲古典音乐是欧洲文化的结晶，它包括交响乐、管弦乐、歌剧协奏曲、器乐独奏等，欣赏欧洲古典音乐，可以培养对音乐的兴趣和爱好，全面提高人的素质和审美能力。 浪漫： 浪漫主义这一词的含义，原来是指用罗曼语（Roman）书写的故事，进而专指长篇***或骑士故事，后来也包括******等。浪漫主义在艺术上的兴起，首先出现于十八世纪的文学中。在作品里，将一切个人的感情、趣味和才能完全不受限制地表现出来。就是说，作曲家强烈地表现出自己的癖好。这与受形式支配的古典主义在理论上相对立。古典主义的音乐是线条式的而且是鲜明的，浪漫主义的音乐富于色彩和感情，含有许多主观、空想的因素。然而，这只是原则上的区别，实际上在古典主义音乐中，已含有浪漫主义的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的内容。 更多浪漫在这 ~type=v5_one&label=rela_prevarticle 补充： 民族音乐 民乐 最突出的特点是写意性，也就是烘托一种精神氛围，一种心灵感受。比如 《高山》 、 《流水》 ，并非直接 对景 色进行细致的写，而是写情，以情见景。正如子期说----“巍巍乎志在高山”、荡荡乎志在流水”，是 “志在”，而非景在也。在这里，有人会认为我把写意（和写实相对）和写情混为一谈了。但 实际上，写描绘了客观事物经过心灵投影之后的影象，在很大程度上经过了人的感情的加工，并进一步抽象化为音乐形式表露出来，落在纸上而为谱，发于声则为乐。 民乐的这种写意性与民乐体裁大多为独奏或量乐器合奏，而很少有乐队合奏、协奏这一事实十分吻合。大型乐队长于细致入微的景物、色彩描写，精于大范围气氛的烘托，而 心灵深处 的意所至，则是独奏和少量乐器合奏的专利。在西洋古典体裁中，最贴近心灵的是 室内乐 ，如 弦乐四重奏 之类，也很好地说明了这一点。民乐的另一个特点是 个体性 ----写个人之意，抒个人之情。这与西洋音中的室内乐很相似，但在民乐中似乎没有，或者说很少有与西洋交响音乐相匹配的体裁与作品。不只沉浸在个人情致里，而是反映更为广阔的外部 世界的音乐 作品有 《十面埋伏》 、 《霸王卸甲》 、 《江河水》 等，但是这样的作品并不是很多。应当说，过于强调意境，过分地沉浸在个人世界中严重地限制了民乐的发展，使民乐的音体系没有达到西方音乐体系的广度和繁荣程度。这是十分可惜的。 那么，民乐与古典的最易表现出来的差别是什么呢？这么说吧，你听民乐，部分时间不会感到 酣畅淋漓 、热血沸腾，也不太经常感到 缠绵悱恻 ，美得醉人，但它却能充分调动起你的心灵（如果你真的在听的话），让你产生一种意境、氛围，并融化在其中，从心底里产生最细致、最真挚的感。这就是民乐，我们中华民族自己的音乐。
1、古典乐派是指那些可以从18世纪最伟大和最著名的作曲家海顿、莫扎特和贝多芬的音乐中听到的风格。常指18~19世纪产生于欧洲的音乐潮流及创作风格。
特点：古典主义时期的音乐对此后音乐历史的发展是具有非凡推动意义的，因为在这个时期诞生了三大重要的曲式——交响曲、弦乐四重奏以及键盘奏鸣曲。
2、浪漫主义音乐（Romantical Music)音乐派系之一，亦称“浪漫乐派”或“浪漫派音乐”。一般指十八世纪末到十九世纪初发始于德奥，后又波及整个欧洲各国的一种音乐新风格。
特点：浪漫乐派作曲家对和声技巧的发展同对音响色彩的兴趣是相辅相成的：这一个时期的乐队规模无限扩大，一些乐器得到改善，又有一些新的乐器发明出来、各种乐器的新奇组合产生了新颖的色彩效果，又丰富了管弦乐队的调色板，从而使这种拥有迷人的音色储备和力度层次的大型管弦乐队成为一种理想的工具。
3、民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛，与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家。他们中的大多数人，政治上是激进的，同情或参加本国的资产阶级革命，具有强烈的民族意识。在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。
特点：民族乐派的作曲家大量运用民族民间音乐素材，并创造性地与西欧传统音乐的表现手段和艺术技巧相结合，因而使作品具有鲜明的民族风格，并达到了高度的艺术水平。这主要体现在作品的体裁和音乐语言上。
4、现代音乐（或称“现代主义音乐”、“现代派音乐”modernist music）指的是19世纪末、20世纪中非传统作曲技法，非功能和声体系作为理论支撑的，用新的作曲手法、音乐理论、音乐语言创作的音乐。并非指20世纪创作的所有音乐作品。
特点：旋律上：传统音乐以流畅、起伏自然、有规律进行为基础，20 世纪音乐的旋律则常常是不流畅的，出现有棱角的大跳，有时没有句读，有时避开传统音乐中的旋律因素，用其他音响方式代替旋律。
扩展资料：
人们习惯于把雨果的《序》称为浪漫主义的纲领，这是因为雨果这篇讨伐伪古典主义的檄文，确曾获得广泛的响应，从而得以用一大批令人耳目一新的作品，掀起一个类似文艺复兴的运动，以显示浪漫主义文学的巨大声势。
因此文学史上常把雨果发表这篇序言的1827年和随后因雨果的浪漫主义戏剧《欧那尼》上演成功而达到浪漫主义发展***的1830年，作为古典主义同浪漫主义在时间上的分界。
探究浪漫主义的根源，可以追溯到十九世纪初。因为法国作家夏多布里昂的中短篇***《阿达拉》(1801年)和《勒内》(1805年)，已经包含了日后浪漫主义文学将要加以发展和夸张的一切优缺点的萌芽(特别是勒内这个悲观厌世的“世纪病”的典型人物的出现)，
所以有些人常把整个十九世纪视作浪漫主义的纪元，有时甚至还把它的结束时间延伸到大约1910年间。
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1、 早期：贝多芬、凯鲁比尼、韦伯、帕格尼尼、罗西尼、贝利尼、多尼***蒂、舒伯特、彻尔尼。
2、 前期：门德尔松、肖邦、舒曼、李斯特、白辽士、梅耶贝尔。
3、 中期：威尔第、瓦格纳、奥芬巴赫、布拉姆斯、小约翰·施特劳斯、布鲁克纳、弗兰克、古诺、比才、圣-桑。
4、 民族乐派：格林卡、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、西贝流士、阿尔贝尼兹。
5、 后浪漫主义：福莱、***、理查·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫、埃尔加、格拉祖诺夫。
浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。
扩展资料：
历史
浪漫派时期的音乐则可以从1813年E.T.A霍夫曼论述贝多芬的浪漫主义精神开始，到1914年勋伯格提出“不协和音的解放”为止。
浪漫派时期的音乐比起之前的巴洛克时期以及古典时期的音乐更注重感情和形象的表现。相对来说看轻形式和结构。浪漫时期的音乐往往富于想象力，相当多的浪漫时期音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。
浪漫主义音乐强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。贝多芬是浪漫主义音乐的先驱，浪漫主义歌剧的代表是瓦格纳，钢琴音乐的代表是李斯特。
浪漫主义音乐对曲式结构进行了极大的丰富与扩充，出现了诸多小型曲式结构，例如小品曲、幽默曲、叙事曲、***风格曲、音乐的瞬间、随想曲、浪漫曲、间奏曲或即兴曲等。
浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴可夫斯基。浪漫主义音乐在***和勃拉姆斯时代式微。
浪漫时期的音乐在晚期出现了更多不同的乐派，包括法国的印象乐派（德彪西、拉威尔）和欧洲各地的民族乐派（西贝柳斯、斯美塔纳、强力集团等）等。
民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛,与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家.他们中的大多数人,政治上是激进的,同情或参加本国的资产阶级革命,具有强烈的民族意识.在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐.民族乐派的音乐家经常***用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题,借以激发本国人民反抗封建和外族统治.民主性、人民性、民族性,始终是他们艺术活动的鲜明标志.代表作,如：斯美塔那的《我的祖国》、西贝柳斯的《芬兰颂交响诗》等.
19世纪中叶起,继德奥等国兴起浪漫主义音乐之后,在东、北欧一些国家,出现了一批致力于振兴本民族音乐的作曲家,他们的作品以反映本民族的历史和人民生活为题材,具有强烈的爱国主义精神和深厚的民族感情,同时大量运用民族民间音乐素材,具有鲜明的民族风格.这些作曲家被称为民族乐派作曲家.其主要代表人物有波兰的S.莫纽什科,匈牙利的F.埃尔凯尔,捷克的B.斯美塔纳、A.德沃扎克,挪威的E.格里格,芬兰的J.西贝柳斯,俄国的И.格林卡和以 А.巴拉基列夫为首的“五人团”、П.И.柴科夫斯基等.此外,受上述民族乐派思潮的影响,在南欧的西班牙,也出现了I.阿尔韦尼斯和E.格拉纳多斯为代表的复兴民族音乐的作曲家.20世纪上半叶,民族乐派在欧美各国,又有进一步的发展.
参考 id="id5">我的联想乐派A1-07老死机，怎么回事
1．布艮第乐派
15 世纪上半叶活跃在布艮第（相当于现在的荷兰．比利时．法国东北部等）宫延的音乐家群体．该乐派音乐风格的形成直接受到英国作曲家邓斯泰布尔的影响，音响上趋于优美细腻，悦耳和谐，尤以三度的旋律音程，布艮第乐派也被称作第一尼德兰乐派。乐派最有影响的代表人物有第一代作曲家杜费（Guillaume Dufay 约1400-1474）和班舒瓦（Gilles Binchis 约1400-1460），创作了大量表现宫廷爱情的三声部的歌谣曲（在三声部中，高音部最为突出）
2、佛兰芒乐派
15、16世纪活跃在佛莱芒的音乐家群体。佛兰芒乐派使复调对位音乐发展到盛期，在人文主义的影响下，他们把世俗曲调作为弥撒曲和***歌的定旋律，而且常***用尚松、牧歌、维勒莱等世俗声乐体裁进行写作。佛兰芒是历史地区，也称作尼德兰地区，即今天比利时及法国西北部。音乐史上称佛兰芒乐派为第二 、第三尼德兰乐派。佛莱芒第二代作曲家若斯坎.德.普雷(Josquin de Pres,约1440-1521)，第三代作曲家奥兰多.迪.拉索（Orlando di Lasso,约1532-1594）等人。影响很大。
3、罗马乐派
代表音乐家帕勒斯特里那（Palestrina，约1525-1594）。与同时代相比音乐风格较为保守，很少用变化音，即使用变化音和不协和音也是非常谨慎地进行解决，因此音响纯净和谐。***用模仿式复调。旋律平稳流畅，很少大跳，***用自然音阶教会调式，在拉丁文歌词的处理上注重重音及其含义，整体结构清晰。基本不用乐器伴奏，只有少量使用管风琴。
4、***乐派
***乐派的宗教音乐音响恢弘，色彩绚丽，***用双合唱队（甚至达到五个合唱队），有乐器伴奏，如管风琴、号角、维奥尔琴等。器乐以庄严、灿烂，对比鲜明为特点。内的马库斯教堂为其活动中心，该乐派对欧洲器乐的形成和主调音乐的早期发展，有较大影响。 ***乐派作曲家：维拉尔特（Willaerte，约1485-1562），加布里埃利（叔A.Gabrieli,约1515-1586、侄G.Gabriele,约1557-1612）。
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第一步：打开桌面设置图标，如图(左上)；
第二步：点击带有A字母图标的语言设置项，如图(右上)；
第三步:点击右侧第一个选项，设置项，如图(右下)；
第四步：选择语言项最下端的中文(简体)即完成了设置。
古典音乐有广义、狭义之分。广义是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。狭义指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。 这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒伯特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等，就是浪漫主义音乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7***和9***以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。 浪漫主义这一词的含义，原来是指用罗曼语（Roman）书写的故事，进而专指长篇***或骑士故事，后来也包括******等。浪漫主义在艺术上的兴起，首先出现于十八世纪的文学中。在作品里，将一切个人的感情、趣味和才能完全不受限制地表现出来。就是说，作曲家强烈地表现出自己的癖好。这与受形式支配的古典主义在理论上相对立。古典主义的音乐是线条式的而且是鲜明的，浪漫主义的音乐富于色彩和感情，含有许多主观、空想的因素。然而，这只是原则上的区别，实际上在古典主义音乐中，已含有浪漫主义的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的内容。 民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛，与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家。他们中的大多数人，政治上是激进的，同情或参加本国的资产阶级革命，具有强烈的民族意识。在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。民族乐派的音乐家经常***用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题，借以激发本国人民反抗封建和外族统治。民主性、人民性、民族性，始终是他们艺术活动的鲜明标志。代表作，如：斯美塔那的《我的祖国》、西贝柳斯的《芬兰颂交响诗》等。 产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的 一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。 它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。由法国作曲家C.德彪西首创。印象主义一词借用自美术。1874年巴黎“落选者沙龙”展出画家C.莫奈一幅题为《日出印象》的绘画，引起嘲笑和议论，此后人们把艺术理想与表现手法大致与之相似的画家，如E.德加、C.毕沙罗、A.西斯莱、P.A.雷诺阿称为“印象派”。他们反对学院派的保守思想，热爱大自然,面向现代生活,***取在户外的阳光下直接描绘景物的方法，在光与色的变化中表现对象的整体感与周围的气氛，对绘画的发展有很大影响。印象主义一词在音乐中首次出现于1887年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第 2部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。1894年其《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义”加以赞扬；1905年以后，此词常用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，不再带有贬意。
